Eventi

L’arte si fa madre

mostra a cura di  Jus et Ars

Marigliano, Santuario della Madonna della Speranza  | 20 giugno 2026

Quella di Jus et Ars è una mostra che impugna le forze di un territorio, quello dell’agro nolano e del napoletano, che, a scanso del suo enorme potenziale, non gode sempre degli onori della cronaca per le giuste ragioni. Le ha impugnate anzitutto nelle scorse settimane, portando materialmente nelle vetrine dei negozi di Marigliano delle opere oggi qui esposte, ambasciatrici itineranti della chiamata alle arti che da oggi qui incomincia. Venti artisti o poco più, tutti del territorio, che portano una pluralità di linguaggi e di visioni artistiche. Elogio, questo, anzitutto della mostra ‘piccola’, ovvero fatta di pochi artisti e soprattutto di pochi pezzi, che permettano quel necessario tempo di confronto per attrarre degnamente l’attenzione dello spettatore e dialogarvi. Ciò che generalmente emerge è una produzione tutta dal carattere molto intimista e voltata verso l’interiorità dell’artista, che non sfugge però in un soliloquio formale ma anzi esibisce una maggioranza di opere realizzate in un linguaggio figurativo molto più rispondente alla tradizione accademica. Pittura, ceramica, scultura, fotografia, modellato digitale, pittura digitale, installazioni, sono i medium convenuti. I contributi mescolano le mani di professionisti ed appassionati, tra loro diversi per età e formazione, ma tutti accomunati da una ricerca introversa e meditativa, quasi malinconica. Altro comune esito e particolare pregio della mostra sono l’aver aperto la ‘gabbia’ del Novecento. Spieghiamoci. Quante volte a delle mostre abbiamo sentito il critico d’arte di turno sforzarsi di rapportare le opere in mostra a quel maestro o a quell’avanguardia del secolo scorso? Certo, talvolta sono gli artisti a proporre puntuali richiami o a cercarne la scia, ma talvolta è la deformazione mentale di chi analizza a impuntarsi di rintracciare certe coordinate storico-artistiche, senza le quali il presente – sfuggente da ogni parte per definizione – diventa ancor più difficile da comprendere. E invece L’arte si fa madre porta in mostra opere che si sforzano – consapevolmente o meno – di raccontare l’attualità artistica liberandosi dal peso di dover esibire per forza quell’ancoraggio retrospettivo, che suona spesso da preteso pedigree. Fenomeno nient’affatto comune e forse più sorgivo e genuino in un contesto di ‘provincia’ che in uno centrale, preoccupato di inseguire certe patenti di nobiltà. Effettivamente non è la prima volta che si cerca la via d’uscita da quella che va bene fin quando è una parentela, va male quando diviene sudditanza. E a riflettere sul tema sono stati pensatori e critici come Gilles Deleuze o Giorgio Agamben. Ma è forse la sentenza di Nicolas Bourriaud, critico d’arte francese, la più appropriata ad inquadrare fin dal 2009 questo tentativo di affrancamento dal passato. Il suo pensiero indica che la stagione del postmodernismo è ormai conclusa e davanti a noi sta nascendo una nuova forma di modernità, definita “altermodernità”, la quale non sente più il bisogno di contrapporsi a ciò che è venuto prima, né si lascia condizionare dalle ferite storiche o dalle regole stilistiche del Novecento. Oggi gli artisti hanno smesso di smontare il passato o di riciclare con ironia i rimasugli del secolo scorso; al contrario, stanno tracciando percorsi del tutto nuovi e originali, dando vita a un’arte capace di parlare più lingue e di superare i confini, che cancella le vecchie classificazioni per esplorare territori culturali ancora del tutto sconosciuti. Fin qui Bourriaud. L’arte si fa madre diventa perciò un pezzo di questo fenomeno di uscita dal Novecento, nel suo procedere singhiozzante e irregolare. Occorre perciò domandarsi cos’è che generi questo cambiamento anti-novecentesco, o anche solo extra-novecentesco. Si potrebbe rispondere banalmente, e non a torto, che tutto sia ascrivibile al tempo che passa e che presto o tardi rade tutto al suolo. Ma non basterebbe.  Se dobbiamo basarci sul tempo allora riempiamone di senso l’azione e descriviamola in una parola: tecnologia. Negli ultimi ventisei anni una rivoluzione è entrata di prepotenza nel campo delle arti, trionfando oggi con le intelligenze artificiali, con una dirompenza paragonabile solo all’impatto della fotografia nell’Ottocento e del cinema nel Novecento, ma con una velocità di diffusione ed una capillarità d’impiego proprie di un mondo globale che appena nel 2016 non immaginava di poter avvalersi dei mezzi disponibili dieci anni dopo. Quindi possibilità tecnologiche mai viste ed ampliamente testimoniate in mostra da opere digitali interamente concepite – o quasi – senza che la mano tocchi fisicamente un supporto tradizionale. Se però l’unica chiave di lettura fosse la tecnologia, allora dovremmo escludere dal discorso le opere d’arte invece di supporto e figurazione ‘tradizionali’, che invece sono la maggioranza in mostra e che la differenza la fanno piuttosto nel linguaggio. La singolarità è infatti l’altra possibile chiave di lettura oltre-novecentesca, o piuttosto dovremmo dire la solitudine. Ancora una volta, spieghiamoci. All’inizio del Novecento era quasi impossibile lavorare nell’arte senza costituirsi in un gruppo, in un’avanguardia o quantomeno gravitarci attorno, lasciarsene influenzare. Oggi gli artisti lavorano piuttosto da soli e l’idea di un movimento organizzato appare quasi retrograda e nostalgica. È accaduto che gli artisti, paradossalmente iperconnessi e immersi anch’essi in uno scenario globale, abbiano deciso di lavorare per sé stessi, piuttosto che per la società. E le ragioni possono essere molteplici. Da una parte l’idea di trattare il proprio lavoro come un rifugio e non come un’officina. Dall’altra, una scena sociale che da molto ha messo le manifestazioni d’arte sul piedistallo dell’élite intellettuale, ritenendola qualcosa per addetti al mestiere, quando per millenni l’arte ha riguardato tutti, modellando lo sguardo – e forse la vita – di miliardi di persone nel disegno di strade, piazze, città e monumenti. Di oggettivo c’è che da recenti indagini della Quadriennale di Roma e vari censimenti socio-economici di Art Workers Italia gli artisti ‘singoli’ oggi sono l’85%^[1]. Pare dunque giusto affidare alle iniziative come L’arte si fa madre il compito di avvertire gli artisti di tornare a fare comunione e di perdonare una realtà spesso diseducata nei confronti delle arti, ma mai impossibile da escludere da un linguaggio atavicamente insito nell’uomo.

Gianpasquale Greco